Les plus beaux dessins japonais que vous devriez voir

L'ampleur et la diversité du dessin japonais au fil des siècles sont difficiles à saisir en quelques chefs-d'œuvre. Naturellement, en se concentrant sur une époque et un lieu, on peut commencer à essayer de décortiquer les métaphores, les symboles et le raffinement de l'art japonais tel qu'il se manifeste à chaque période. Du célèbre (et ironiquement toujours changeant) Hokusai aux illustrations modernes d'aujourd'hui que nous voyons dans les anime et les mangas, voici une petite sélection de l'étendue et des détails du dessin et des illustrations japonais, chacun ayant sa propre histoire à raconter.

De l'exposition Ora Ora par Shohei Otomo, 2017

Shohei Otomo, fils de Katushiro Otomo, dessine presque exclusivement avec un stylo à bille, préférant non seulement son esthétique mais aussi son humble prix de 80 ¥. Ce dessin d'une jeune écolière brandissant des couteaux est issu de son exposition Ora Ora en 2017. Ora Ora est un cri d'angoisse, un son que l'on pourrait entendre dans la scène de combat d'un anime ou d'un manga. Ce titre approprié illustre le style cyberpunk rebelle de Shohei, qui combine les clichés occidentaux modernes et les perceptions du Japon avec des éléments de l'art traditionnel japonais. Il décrit la ville de Tokyo comme « étouffante » et « stressante », et son art reflète ce sentiment dans son chaos, son énergie et son symbolisme. « Sous la surface, il y a beaucoup de malheur », a-t-il déclaré dans une interview accordée à ABC en Australie à propos de sa ville natale de Tokyo. Dans la même interview, Shohei fait la lumière sur sa conviction que les adultes japonais « négligent les enfants ». Les dessins d'Ora Ora présentent une sorte de vengeance fantastique, où les enfants retrouvent leur autonomie et leur pouvoir. La réalisation de chaque illustration prend environ un mois.

Seize Arhats par Gessen, date inconnue

L'artiste et moine Gessen (1741-1809) était connu pour sa volonté de peindre sur diverses surfaces, même sur la jupe d'une geisha. On dit qu'il insistait souvent pour être payé à l'avance. Sa popularité grandit et, bien que ses œuvres soient de qualité variable, il semble que son ardeur à obtenir le prix le plus élevé lui permettait de nourrir les personnes dans le besoin. Gessen a étudié avec Sakura Sekkan et d'autres peintres qui semblaient partager un intérêt pour les nouveaux styles de peinture, y compris ceux d'influence occidentale. Ce dessin, Seize Arhats, représente les seize hommes légendaires de la tradition bouddhiste à qui ont été confiés les enseignements du Bouddha avant qu'il ne parte au Nirvana. Il est intéressant de noter que la légende s'est étendue à dix-huit arhats en Chine, mais les seize arhats restent des symboles de culte et de comportement exemplaire au Japon. Ce dessin particulier a été réalisé par Gessen à l'encre de Chine sur papier.

Cuillère par Hidemi Ito, 2017

Les couleurs pastel douces et les ombres soulignent l'innocence et la simplicité du message moderne de Hidemi Ito. Dans cette illustration, la cuillère pliée est le résultat d'une perception extrasensorielle, une sorte de contrôle cérébral au niveau de la matrice qui se prête à l'esprit des filles qu'Ito dépeint. Malgré l'atmosphère ludique et curieuse du dessin d'Ito, il y a aussi une sorte d'intensité qui engloutit les filles dans la concentration, laissant le spectateur se demander comment la cuillère a été manipulée à leur guise. Selon Ito, son travail est inspiré par les films et son imagination. Elle nous a confié que les idées derrière les jeunes filles et leur ESP viennent d'un "sens romantique" de l'interprétation du monde et de ses mystères. La forme arrondie des corps et l'accent mis sur les jeunes femmes évoquent des souvenirs de nihonga ou de bijinga, mais Hidemi dit que l'influence de ces derniers a dû être subconsciente. Unsafe Day de son exposition de 2017 semble se rebeller contre la compulsion des temps modernes à aplanir les choses et à dire que tout va bien. Le dessin d'Hidemi fait appel à des femmes messagères pour transmettre la tension moderne de manière "subtile". « Quand je dessine, je veux transmettre un moment qui ne peut être décrit par le langage. Une émotion que je ressens ». dit-elle. Hidemi Ito est l'une des nombreuses femmes artistes japonaises à connaître.

Panier de fleurs I par Uemura Shoen, 1915

Uemura Shoen était le pseudonyme d'Uemura Tsune, un artiste né à Kyoto qui a connu un succès incroyable. Flower Basket I semble être une esquisse à l'encre Sumie sur papier de la célèbre peinture en couleur sur soie, Flower Basket. Pour plus d'informations sur le sumie, consultez le site Tout ce que vous devez savoir sur la peinture à l'encre japonaise.Uemura dessinait généralement dans le style bijin-ga , bien qu'elle ait choisi de dessiner des femmes ordinaires plutôt que des artistes et des divertissements du genre courtisan. Flower Basket I s'inspire d'un Pièce de nôCe thème revient souvent dans son œuvre. Uemura a été la première femme à recevoir la prestigieuse distinction de l' Ordre de la culture à une époque où les femmes n'étaient pas autorisées à recevoir une formation dans une école professionnelle. Malgré les circonstances, la mère d'Uemura, une veuve qui tenait un magasin de thé, l'a encouragée à poursuivre la peinture et l'a envoyée dans une école de peinture où elle a étudié avec Suzuki Shonen.

Dessin tiré de Spirited Away de Hayao Miyazaki (Studio Ghibli)

Dans le livre d'art à couverture rigide intitulé, L'art du film Spirited Away de Miyazaki on trouve plusieurs esquisses du storyboard original, dont cette illustration d'une Chihiro transparente traversant le pont vers les bains publics. Dans une interview de Miyazaki parue dans le magazine japonais Animage en 2001, l'animateur japonais a exprimé son désir de réaliser un film pour cinq jeunes filles qui étaient les enfants d'amis de sa famille. "Et donc je me suis demandé si je pouvais faire un film dans lequel elles pourraient être des héroïnes..." dit Miyazaki, qui était sûr que le contenu des shojo manga ne répondait pas à ce que ces fillettes de dix ans voulaient vraiment voir et/ou lire.

Toutes les œuvres de Miyazaki sont dessinées à la main. Il partage la conviction fondamentale que l'esprit de l'animation repose sur le dessin à la main, ce qu'il a répété au fil des ans, ce qui a attiré l'attention sur les efforts laborieux nécessaires pour créer une animation de sa qualité. Miyazaki se souvient que la raison pour laquelle il a choisi un bain comme lieu pour plonger le public dans le fantastique était que les bains sont "mystérieux". Il se dit qu'il serait "amusant" qu'un tel bain pour dieux et esprits existe dans notre monde. Dans cette illustration, le spectateur peut voir les débuts de Chihiro, transparente dans sa forme mais pas encore connue de l'intérieur, ses mécanismes intérieurs plus profonds sur le point de se déployer à l'intérieur du bain ludique et parfois sombre dans lequel elle est sur le point d'entrer.

Le moine Rensho chevauchant son cheval à reculons, par Matsumura Goshun, vers 1784.

Pris de remords pour ceux qu'il a tués pendant la guerre de Genpei (1180-1185), le soldat Kumagai Naozane a abandonné sa vie dans le monde matériel et a recherché la paix en suivant une secte bouddhiste. Kumagai avait été considéré comme un héros dans l'issue de la guerre civile nationale et était devenu une sorte de légende dans les pièces de théâtre nô et les haïkus qui racontaient son histoire. Rempli de regrets, il renonça à son nom et devint Rensho (ou Rensei) afin de suivre les enseignements du bouddhisme. Illustré ici par l'artiste Matsumura Goshun, Rensho voyage à cheval de Kyoto à la région du Kanto, sa position en arrière symbolisant la promesse qu'il ne brisera pas, celle de ne jamais tourner le dos à Bouddha. Cette célèbre illustration japonaise de Goshun est dessinée dans le style du haiga, qui représente généralement des illustrations associées à des poèmes haïku. Son style simple s'inspire de ce que Goshun a appris de ses professeurs qui pratiquaient le nanga, un style de peinture traditionnel chinois dont les tenants se considéraient souvent comme l'élite littéraire et intellectuelle.

I Hate Summer par Sakiyama, 2018

L'illustration I Hate Summer, réalisée par le jeune illustrateur japonais Sakiyama, rappelle certains des thèmes sombres que l'on peut trouver dans la pléthore d'estampes du site ukiyo-e estampes qui reflètent la culture populaire de la fin de la période Edo. L'ukiyo-e avait des objectifs éducatifs, mais aussi des objectifs plus personnels. érotiqueParmi ces thèmes, on trouve des figures ressemblant à des fantômes qui ne sont pas sans rappeler les personnages de Sakiyama dans I Hate Summer () , qui dépeint un fantôme qui ouvre la bouche pour nous avaler tout rond. Créature démoniaque qui ouvre sa bouche pour nous avaler tout entier dans la nuit. L'artiste dit que son plaisir vient de la création d'atmosphères à la fois "désagréables" et "décadentes". Utilisant principalement des logiciels numériques comme Photoshop et After Effects, Sakiyama place ses personnages dans des villes qui se dévorent ou qui sont en pleine décadence, grouillant de monstres ou d'humains moralement dépravés. Des titres comme I Hate Summer, ou d'autres comme "I wish it was midnight all the time" (J'aimerais qu'il soit minuit tout le temps) impliquent un monde souterrain émotionnel où le spectateur peut explorer les ombres imaginatives de mondes au sein de mondes qui s'effondrent.

Dessin iconique de Saturne, 12e siècle

Doyo, ou Saturne, est représenté ici comme un homme en robe avec une tête de taureau posée sur sa tête. Cette illustration japonaise classique est maintenant montée comme un rouleau suspendu. La planète Saturne, ainsi que neuf de ses contemporains célestes ou "neuf luminaires", faisaient partie du système stellaire qui a été introduit au Japon et en Chine au 12e siècle. Ces Luminaires ont été vus pour la première fois dans des textes indiens qui ont ensuite été inclus dans les enseignements bouddhistes.

Femme aux cheveux ébouriffés par Chihiro Iwasaki, 1946

Avant d'être connue pour ses aquarelles et de remporter des prix pour ses illustrations de livres pour enfants, l'artiste encore inconnue Chihiro Iwasaki s'asseyait tard le soir avec un crayon et du papier. Ce dessin, Femme aux cheveux ébouriffés, a été réalisé lorsque Iwasaki est rentrée à Tokyo après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Sa maison familiale ayant été détruite pendant la guerre, elle avait été évacuée dans la maison de sa grand-mère à Nagano. Ce dessin particulier a été réalisé sous la tutelle des artistes Iri Maruki et Toshiko Akamatsu, mari et femme, qui dirigeaient un studio faisant partie du Parti communiste japonais. La Femme aux cheveux ébouriffés est l'une des nombreuses œuvres qu'elle a dessinées alors qu'elle tentait de devenir un peintre et un illustrateur reconnu. Le jour, Iwasaki travaillait comme rédactrice et illustratrice pour un journal appelé Jinmin Shimbun (People's Paper), et la nuit, elle dessinait pour se rapprocher de son rêve.

La neige par Uemura Shoen, 1940

L'attention particulière que porte Uemura aux détails du tissu est illustrée ici dans l'une des nombreuses peintures qu'elle a réalisées en rapport avec la neige. Connue comme l'une des artistes les plus nihonga Uemura était connue pour son travail détaillé qui surpassait celui de ses collègues masculins. En tant que femme elle-même, on dit qu'elle donnait plus d'importance aux sujets féminins de ses tableaux, en utilisant de petits détails de couleur pour renforcer leur vivacité et faire en sorte que les dessins ressemblent moins à des poupées polies et immobiles qu'à de vraies femmes faisant des choses réelles dans leur vie quotidienne. Dans Snow , on peut voir de la couleur rouge sur le visage, les lèvres et le lobe de l'oreille, ce qui ajoute un peu de mouvement à l'arrêt sur image, suggérant que le sujet de la peinture rougit légèrement alors qu'il marche rapidement dans le froid. Uemura Shoen est l'un de nos 10 femmes peintres préférées dans l'art japonais.

Dragon Girl #32 par Katsuya Terada (Rakugakingu)

Dragon Girl #32 est l'un des nombreux dessins au trait de ce personnage unique qui a pris vie grâce au célèbre dessinateur Rakugaking. Katsuya TeradaUemura Shoen, également connu sous le nom de Rakugakingu (le roi du gribouillage), bien nommé pour la quantité d'illustrations qu'il crée. Ce Dragon Girl particulier est un dessin au trait sur un panneau de bois étiqueté "mixed media on canvas". Katsuya Terada est un illustrateur aux multiples facettes, qui touche à la fois aux beaux-arts de l'illustration et aux mondes de l'art numérique et du manga. Il se sert souvent d'un marqueur noir pour créer sa prochaine œuvre, mais on peut aussi le trouver avec un petit iPad et des croquis pendant de longues heures dans la journée. Ses œuvres majeures, telles que Dragon Girl ou Monkey King, lui viennent en dessinant. Contrairement à de nombreux artistes japonais avant lui, il n'utilise jamais de brouillon pour le guider, mais uniquement son imagination et l'inspiration ou les impressions qu'il a en tête. Dans un court documentaire intitulé Katsuya Terada - Dessin de vie, Terada déclare : « Lorsque je commence un dessin en direct et que je me trouve devant une feuille blanche, je pense toujours que je ne pourrai pas finir». Tel est le niveau de détail et de cœur qui se traduit sur le papier.

Dessin préliminaire de trois cerfs montés sur une peinture en rouleau de trèfle buissonnier fleuri par Ogata Korin, 18e siècle

Ce dessin et cette peinture sont uniques dans un sens très collaboratif. Le dessin des trois cerfs au centre a été illustré par le célèbre Ogata Korin au XVIIIe siècle. La peinture d'une plante à l'arrière-plan a été réalisée un siècle plus tard par Suzuki Kitsu. Les deux artistes pratiquaient le style d'illustration Rinpa, et les deux œuvres sont laissées quelque peu inachevées, mais belles dans leur simplicité et leur partenariat. Kitsu et le mécène qui a commandé ces œuvres rendaient "hommage à Korin" et tentaient de rajeunir l'art et l'étude du Rinpa comme Korin l'avait fait un siècle avant eux.

Grues, pins et bambous par Ogata Korin, début du XVIIIe siècle.

Ogata Korin était un artiste de Kyoto qui s'est fait connaître pour sa maîtrise de la peinture décorative. Korin a reçu une éducation somptueuse, mais a été déshérité pour avoir enfreint une loi de l'époque qui interdisait le partage de l'argent et de l'or avec les gens du peuple. Après avoir perdu son héritage, Korin est retourné à sa vie de peintre. Cette illustration intitulée Grues, pins et bambous est probablement l'une de ses premières esquisses, qui a été remontée au fil des ans sous forme de paravent. Les grues, les pins et les bambous sont considérés comme des symboles de longévité, des éléments de la nature qui vont et viennent avec les deux saisons qui sont subtilement représentées ici : le printemps et l'automne. On attribue à Korin le renouvellement du style de peinture traditionnel japonais du Rinpa, une forme d'art qui se concentre sur des sujets naturels tels que les fleurs, les plantes et les oiseaux. Le Rinpa était pratiqué sous différentes formes, allant des sérigraphies aux livres imprimés sur bois, en passant par les céramiques et même les textiles de kimono. Korin était surtout connu pour avoir affiné sa technique du Rinpa par des dégradés de couleurs et l'utilisation de l'or.

Daishojin Bosatsu attribué à Takuma Tameto, 12e siècle

Datant du XIIe siècle, cet ancien dessin japonais bien conservé représente une divinité bouddhiste nommée Daishojin Bosatsu. Ce bodhisattva à l'air calme est l'une des seize divinités tutélaires. Cette illustration est l'une des centaines qui faisaient à l'origine partie d'un album d'illustrations iconographiques du monde métaphysique du Mandala du Monde du Diamant, un domaine particulier qui était particulièrement important pour la pratique bouddhiste japonaise des enseignements bouddhistes ésotériques. Cette peinture est remarquable pour la qualité du dessin et ses couleurs arc-en-ciel.

Esquisse de Katsushika Hokusai, 1836

Destinée à l'origine à un livre d'images, cette illustration à l'encre sur papier réalisée par le célèbre artiste de l'époque représente un guerrier du nom de Willem. Katsushika Hokusai représente un guerrier nommé Wada Heita Tamenaga poignardant un serpent. Bien qu'une série de guerriers ait annoncé la publication prochaine de ce dessin, pour des raisons inconnues, il n'a jamais été publié. Les illustrations auraient été collées sur des blocs de bois dans la tradition de l'ukiyo-e, mais elles sont aujourd'hui conservées telles quelles : de minces morceaux de papier. Hokusai, qui est internationalement connu pour sa gravure emblématique, La grande vague au large de Kanagawa a réalisé des milliers d'œuvres au cours de sa vie. Avant sa mort, il avait changé 30 fois de nom. À l'époque de ce dessin, en 1836, il se faisait appeler Gakyou Roujin, ce qui se traduit approximativement par "Le vieil homme fou d'art". C'est à la fin de sa vie qu'il a réfléchi à son art et à l'influence de l'âge et de l'expérience sur son travail. Il était un illustrateur assidu et peignait jusqu'à un âge avancé, cherchant toujours à améliorer sa dernière peinture, gravure ou esquisse.